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&&&&&&&&王羲之名作《得示帖》章法给我们五大启示！
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在书法作品的章法中，除了黑白的字的平面排序构成外，还包含着非常非常重要的内容，就是章法的节奏韵律。节奏和韵律是书法赏评中必然要谈到的问题，因为，它既是书法的技巧问题，也是艺术问题。
下面我们以《得示帖》为例，分析“书法章法的五线谱”
《得示帖》是一部含有节奏韵律极高的法帖。节奏与韵律本不是书法的术语，它是音乐的专用术语。人们往往借用音乐的这术语来解释书法，是因为，书法与音乐有着非常相似相通的东西。归纳起来，大致有五个方面：
在行草书中，这样的变化是非常鲜明的，甚至是非常突兀的。同时，在篆、隶、楷中,这种变化也同样存在，只是不象行草书那样有充分变化的余地而已。大与小的比例反差愈大，节奏就愈加鲜明。这与作品的风格气息有着直接的关系，风格越是奔放跳荡，大小的反差就越大。当表现文雅恬静的风格时，一般大小的反差就相对要小。在这一点上，《得示帖》大与小的反差比例令人非常惊讶。
重轻（虚实）
重轻，是指作品中，虚与实的对比与变化。书法作品中，重轻的主要表现技巧是用墨。重与轻的概念，是指墨色的虚和实，虚与实的对比也是相对而言。虚中之实是重，实中之虚是轻。墨的浓与淡，燥与润都可以表现虚实轻重。需要理清的是，它与粗和细、大和小、聚和散以及长和短，有着不同的理解和概念。这里，主要的分辨参数是墨的虚与实。粗笔是淡墨是飞白，就轻；细笔是浓墨是实笔，就重。字大、字聚、笔长，用虚墨，是轻；字小、字散、笔短用实墨，则是重。重与轻的层次是多样的，运用的手段更是多样化的。当要表现最重的“节拍”时，可以调动所有的方法，重合多种技巧来刻画“宏音重拍”。
粗细，是指笔画宽与窄的对比。在古典的书法作品中，除了“铁线篆”、“玉箸篆”属等粗细的线外，几乎所有的作品中都存在粗与细的笔画变化。只是因风格的不同，粗细反差的程度不同而已。我们如果把一个笔画比作一个音符，诸多的笔画组合在一起时，必须要强调粗细的变化和对比。粗细的反差越是明显，其音符的跳动感就越强，同时，它的“音域”也就越宽。要表现宏亮、坚定、铿锵者，其粗线的比例要大；要表现轻柔、静谧、恬淡者，细线的含量要高；要表现欢快、跳跃、激昂者，粗细要多作混杂。不同的风格对笔画粗细的要求不同，笔画粗细配置组合的不同，其表现的审美趣味也不尽相同。可以想象，一件粗细笔画等一，没有粗细反差的作品，就像一支没有音域变化的歌，会多么的乏味。粗与细的把握，属创作的微观部分，它必须是细腻的、准确的、丰富的。人们在检验审视一件书法作品时，精察细辨的恰恰正是这些部位。作品的内涵如何，也往往体现在这些部位。
长短，指笔画的长线与短线。点，是最短的线。长线，包括直线和弧线，以及由直线和弧线多重组合的多样的线。长线与短线类似音乐的短音和延长音。短音有如弹拨乐，长音类比管弦乐。短音急促而铿锵，长音悠扬而绵延。这一点，书法与音乐非常暗合。长音与短音的组合变化，最能体现音乐的旋律。长线与短线的交替变化，就最可表现书法的韵律。
正欹聚散，是指字的中轴线和内部结构的变化。中轴的移位和摆动，会造成正欹的变化。内部小结构的改变，会形成聚散的变异。如果与音乐来类比，如果还不算牵强的话，它好像是乐曲的变奏。变奏，往往是活泼的，风趣的，诙谐的，生动的。它会增加作品的表现力和感染力。以音乐而参悟书法，这一点，对我们来说，更是大有裨益的。如，“触”“散”的左部聚，右部散，“犹”“耿”的右聚左散，自然而奇巧，生动而消散。
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行笔速度及其几种状态研究&&&&&&&&&&&& &&&&&&&&&&& &&&&&&
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行笔速度及其几种状态研究
行笔速度及其几种状态研究
行笔速度，即为书者执笔进行书法书写时，依据书作内容需要，作出的或疾或缓、或顿或抢，或爽或涩的行笔态势，并产生出迥然不同的笔墨效果。行笔速度，是书法艺术中最重要、最关键的技法
笔法的重要组成部分，与笔锋角度、笔锋着纸深度统称为
笔法三要素
。三者紧密相连，互相依存，密不可分。总体上讲，行笔速度是在与笔锋角度、笔锋着纸深度的互相配合、巧妙组合中，完成一幅书作的。但是，行笔速度的状态，在一定程度上又影响和制约着用笔其他要素艺术效果的发挥，甚至影响列一幅书作艺术价值的高低。
然而，人们在分析研究笔法寸，往往对笔锋角度、笔锋着纸深度等要素的重视关注程度高于行笔速度，造成许多书法爱好者尤其是初学者，对行笔速度的轻视，漠视，进而影响到书艺的提高。遍览古今优秀书法作品，无一不是书家通过对行笔速度的准确、巧妙、见微知著、多变而微妙、精致而灵性的把握与控制，及与其他用笔要素的完美配合，赋予了书法作品神奇、隽永、摄人魂魄、撼动人心的艺术魅力。
笼统地讲，毛笔书法应以徐缓的行笔速度为上。这既是书法通过含蓄、朦陇、力量内敛的艺术形式表现力的美的特征决定的，也是书法所使用的特殊工具、材料等所要求的。但是，在书法学门创作过程中，一味地以徐缓的速度写下去，缺乏必要的快、顿、抢、涩，屈等行笔速度的节奏变化，同样也难以达到书法艺术所应达到的效果。
那么，较为具体地分析，毛笔书法行宅速度大致表现为以下几种状态：
此种状态似秋日白云，滴水流石，徐徐缓缓，缓缓徐徐，徐缓之中蕴藏着巨大内力。徐缓的行笔速度，给人的突出印象和感觉是慢
惟其慢，要求书者的控笔能力要强。否则，所书线条往往千瘪而缺乏内涵。正是由于行笔速度慢，所书线条才显得沉着、饱满、圆润、结实、健康。书法艺术的魅力，在于以静的姿态表现出动的节律和美感来。因而，徐缓的行宅速度，是书法学习与创作的主流行笔速度。观看书法大家作书，他们往往神情平静，举手投足间看似轻飘飘，实际上却时时在运力，而笔下则如行云流水，不愠不火，不急不躁
当然，书家这种状态是创作激情澎湃下的表面现象，不在本文探讨之列
，几乎难以看到一般人想像的
这些行家深谙书法行笔速度要决，因而，书作自然也就不同凡响，光彩夺目。许多书法爱好者没有完全领悟书法艺术的贞谛，以为写毛笔字，行笔速度越快越能够表现出力感效果，越显得
，提起毛笔，不假思索，快宅快墨快书，痛快倒是痛快，所书线条远末达到应有的艺术效果，其书作往往给人以浮躁、苍白乏力、基本功欠扎实等印象。所以，对于许多书法爱好者尤其是初学者来说，徐缓的行笔速度是个基本功，必须通过反复训练，悉心分析才能达到比较娴熟地掌握与控制的程度，一般来讲，徐缓行笔速度的训练与操作方法是，在保持平和的心态下，坚持以静制动、以慢制胜的原则，扎扎实实、求稳求实效地写好一笔一画。
此种状态似烈马脱缰，洪水奔腾，咆哮汹涌，锐不可挡
疾厉的行宅速度给人的感觉和印象就是出宅迅速，行宅果断快捷、千净利落。前面讲过，徐缓是毛笔书法行笔速度的上导形式，但是，在徐缓行宅速度总趋势的前提下，事实上还存在着行宅快捷的速度状态：只是，较之徐缓的行宅速度，疾厉的行笔速度居于次要位置而已。疾厉的行笔速度往往是根据书家的感情起伏变化、书作内容的特定需要以及书写材科的不同等而时断时续、时多时少、时有时无地穿插在整个行宅过程中的一般来说，书家在创作激情进入高潮、书作内容出现大起伏以及笔头濡墨过多时等，易于出现疾厉的行笔速度，所书线条力感外露，飞白、枯笔不断出现，给人以强烈的视觉冲击和凌厉爽快的艺术感染力。应当说，疾厉的行宅速度在整个行笔状态中处于次要、从属位置，因而不能
贯到底地使用
初学者尤其要注意适当把握疾厉的行笔速度的使用，笼统地说，应当尽量减少疾厉行宅速度的出现，以免陷于油滑，浮躁。
此种状态似九牛爬坡，逆水行舟，艰准前行，步履蹒跚。涩滞行笔速度让人明显感觉，书者似乎正艰难地克服横亘在笔下的高山大川，蜗牛般地向前进，所书线条高古、苍劲、老辣，墨色凝重，偶尔于不经意之中留下些许枯笔印记。涩滞行笔速度，尽管在一幅书作中出现的频率不十分高，但是，成功地运用涩滞行笔速度，最易于表现书法艺术那种
的效果。但是，涩滞的行笔速度在书作中的运用不能滥，更不能随意为之，否则，极易使整幅书作显得
，显得死气沉沉、了无生机。一般地讲，涩滞行笔速度大都使用在整幅作品的
之处，即笔锋贮墨行将用尽时。有些人在涩滞行笔时，手故意颤抖，所书线条一顿一顿的，似乎显得很有力。其实，这是一种病笔，做作味儿浓，实则不可取。适当的做法是，保持中锋角度，笔锋着纸深度适当加大，徐缓而肯定地将笔锋推出，收笔不顿不驻。
此种状态似巨流涡旋，蛟龙养目，貌静实动，蓄势储锐。顿却行笔速度表现为笔锋着纸过程中的停顿。这种行笔貌似停顿，实际上随着笔锋着纸深度以及笔锋角度的不同，停顿的
正发生着微妙而深刻的变化。同时，顿却行笔速度虽
，却蓄势待发，随时将写出下一笔画来。所以，顿却行笔速度，表面上、现象上是停顿，实际上则是在动，甚至酝酿着更大的动作。因此，顿却是毛笔书法行笔速度不可缺少的状态，且运用很普遍。因为，缺少顿却行笔速度的正确使用，书作往往容易产生内涵缺乏、线条无质感等弊病，难以产生强烈的艺术效果和感染力。一般地讲，顿却行笔速度最大的特点，就是在静态中求变化。顿却行宅速度只是一种手段，目的是为了增加线条的厚重感和艺术感染力。因而，使用顿却行笔速度时，一定要寓静于动，通过较静态的行笔速度表现出书法艺术的动感效果来。
此种状态似鱼跃龙门，饿虎扑食，惊心动魄，凌厉锐气。拚抢行笔速度主要表现为，线条飞动凌厉，笔断意连，让人明显感受到书者激越澎湃创作心态下的爽利、决绝的行笔态势。
拚抢行笔速度较之疾厉行笔速度，更快更猛更激烈，甚至会出现线条的形断。观看书家运用拚抢行笔速度作书，给人一种暴风骤雨、电闪雷鸣般的感觉和印象。拚抢行笔速度大多比较适宜行草、狂草之类书体的创作。
当然，在其他书体中，这种行笔速度也时有出现。拚抢行笔速度，往往要求书者驾驭毛笔的能力要强，否则容易出现笔笔露锋的弊病，给人以不沉着、笔墨基本控制能力欠佳等感觉。所以，初学者要慎重对待，不可随意为之，可以将之作为一种行笔速度技法进行研究学习，创作时要待笔墨控制能力全面提高后再适当加以运用。拚抢行笔速度，一般要求笔锋着纸深度要浅，有时几乎是笔尖轻着纸面，且笔锋角度以中锋为佳。
此种状态似春蚕作茧，冬眠僵蛇，屈就成势，以图整体。屈折行笔速度是指在行笔过程中，为了整幅书作或整个字的完整、完美，仄起笔锋，不顿不挫，不激不厉地
运笔，以达到应有的艺术效果。屈折行笔速度在折画的书写时，表现得最为典型。因为折画是汉字书法里一种比较特殊的笔画，行笔速度过快，易于造成锋芒外露，外拓严重
过慢，则又可能造成过于肥大、比例失调等现象。因此，在使用屈折行笔速度时，要将笔锋稍稍提起，仄起笔锋，缓缓地折过，才能产生较好的效果。当然，屈折行笔速度不止在折画中使用，用在其他笔画上也能产生较好的作用和效果。屈折行笔速度所产生的含蓄，圆润，连贯等艺术效果，往往为整幅作品增添巨大的感染力，令读者为之倾倒和称奇。
总之，行笔速度是书法学习创作中一个重要的技法要点，需要不断学习、探索、实践，才能逐步掌握。上面所述几种行笔速度，不能孤立地机械地看待，而是必须将它与其他书法技法联系起来，一起分析、研究、学习，否则，同样难以达到预期的学习和创作目的
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都知她人美，却不知她画更美
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都知她人美，却不知她画更美
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宋美龄（）享年106岁，出生上海浦东，政治家，外交家。中华民国前第一夫人。宋美龄多才多艺，兴趣广泛，涉足音乐、外语、宗教、体育、美术等多个领域，而绘画是她终年爱好，曾向张大千学习山水画，拜黄君璧、郑曼青为师，学习花鸟画，宋美龄的绘画风格和其老师有类似之处，山水画构图妥贴，用笔精到，清逸处有灵气，沉厚处韵苍润，古趣昂然。
宋美龄一生对近现代中国历史发展及对美关系具有深远的影响力，同时，宋美龄又是一位丹青高手，只不过被政名所掩盖。她天赋很高，自小喜爱绘画，早在抗日战争时期，张大千由同乡张群介绍，在重庆当了一段时间宋美龄的国画导师，宋美龄受益匪浅，蒋家一直珍藏着那时张大千和宋美龄的师生合作山水图。1949年宋美龄随蒋介石去台湾后，宋美龄业余消遣最喜欢的、也是她最下功夫的应该说是学画画，主要以国画为主。
最初蒋介石以为她是闹着玩的，不意好强的她越画越认真，废寝忘食，画艺渐为成长。蒋大为惊喜，就常把夫人的作品秀给国际友人欣赏。有趣的是:一度宋美龄绘画被外界认为是郑曼青代笔，为了改变这一看法，宋美龄出面请台湾有名的画家一起到士林官邸吃饭，而后郑曼青提议大家一起作画。于是，在众目睽睽之下，宋美龄从容作画。从此，再没有人怀疑宋美龄画的真伪了。
张大千居住台湾后，张群请张大千收宋美龄为关门弟子。晚年，宋美龄经常在她的住所举办个人画展，邀请张大千、郑曼青、黄君璧等著名画家到士林官邸对她的作品进行点评，在餐桌上画家们谈古论今，饭后茶余一起挥毫泼墨，其乐融融。为了学画，她还常常到台北的“故宫博物院”中借出名画观摩、学习。晚年客居美国时，早些年还偶尔参观画廊和艺术馆，作作画。
1975年赴美隐居后，尽管年事已高，仍对绘画一往情深，时常拿出作品细细欣赏。宋美龄去世后，香江文化交流中心举办的“世纪之爱——蒋夫人宋美龄女士生平回顾展”，盛况空前。而出版的《宋美龄画传》很受海内外读者的欢迎。
上世纪70年代后台湾省邮政总局先后3次将宋美龄的山水作品搬上邮票，分别是1975年、1977年、1987年，每套4枚一组，气势恢弘，极为壮观，其中《双松图》邮票在1975年台岛《邮票选美》中被选为最佳邮票，她的绘画艺术之高可窥一斑。遗憾的是这三组邮票没有以《宋美龄山水画》命名，而是采用《蒋夫人山水画》。
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写书法的女子最迷人！喜欢写字的男人最有魅力！
书法，是一种信仰
人生本过客，何必千千结
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书法，是一种信仰
书法，是一种信仰
书法，是一种信仰
中国书法最显著的表现就是出离繁复的多重关系，以最直接的线条艺术直指幽不可见的内心层面，表现文化情感的天性，赤裸于一种本然的精髓之美。
多年来绵延丰厚的墨海，学养于先哲的字库，愈加领悟，书法是一种精神信仰。
纵观中华艺术史论、书法史，古贤作品无不传载着人类历史每一个追逐时尚和人文意境的阶段，那些千古流芳的作品中的哲学意境、文化和美学意境及经典的精神内涵，都不能不令人敬畏。从上追晋唐“二王”时起，我便对古代书法大家的作品、生平、时代背景、书写习惯等进行深入研究，从把握书者的精髓来看，我不得不说：书法其实是一种信仰。
当我沉浸于临帖修习，着重对宋明时期的书帖进行研究时，努力从古代经典法书中汲取美学艺术营养，深入把握传统之古法，融合现代人的审美价值，在古中求变、推古出新。在推动自己作品创新和发展之后，再回望整个过程，实在是真的如信仰之路，大道烂漫！
从多年的实践中，我发现了盲修瞎练的疲劳书法毫无意义。书法之所以从单纯的书写上升为艺术，必然是妙笔情归。如果不思考、不体悟，那仅是单纯的技术书写，和其他体力劳动差别不大，更不能称为艺术。要掌握书法中所谓的法，必须在共性的、规律性的笔法和结构上下工夫；在吸取大师们鲜活个性风格时，要学会选择，寻求易消化好吸收、合适自身艺术走向的食粮，达到择学善用，顺利地自然过渡。
文字和书法是中华文化的核心载体。中华文明五千年的文化精神莫不是以文字来传承的，儒释道思想和古典主义的回归，已成为当前的共识。虽然书者将文字与感情的自然宣泄化为艺术的新境界，但这是最艰苦的历程。书法创作应该是愉悦自己的法宝。当自然书写时，真情流露，不计工拙，率性操笔。技法上或许有不够完美之处，但其中透露出的天真烂漫的趣味，以及“无意于佳乃佳”的书写状况，这些不是快乐，又是什么呢？汲取中华千年文化宝库的营养，体会文化原点的疏朗自然和田园知趣，此为文化再生之途，何乐而不为呢？
品鉴人生书途，沉着矜持大道。书法还是一种解悟人生的修行工具。当一个人能够远离喧嚣，淡定于人生苦乐悲欢，在知行上放下，才能体悟书法之得。当满怀对文化先贤的敬畏，去伪存真面对自心的贪执痴，才能领会书法本质和人生自信之道；把握高尚的精神内涵，才会升华人生最高境
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写书法的女子最迷人！喜欢写字的男人最有魅力！
（资料图片）
写书法的女子最迷人
　　写书法的女子是睿智的。书法，看似容易，就是毛笔蘸墨，在宣纸上写汉字而已，可是，要把书法写好，那不是一般女子所能做到的。书法讲究很多，如墨法、笔法、字法、章法、气韵等等，单单就是一个悬肘握笔、中锋行笔，提与按，就会让手发抖，让手不听使唤；就是一个主笔突出、结构匀称就难倒了无数英雄好汉，更不用说章法的构成，气韵的生动。没有睿智的女人，怎能写好如此多讲究的书法？
　　写书法的女子是高雅的。书法是国粹，是高雅风情之物。一管毛笔、一张宣纸、一瓶香墨、一枚印章、一床画毯、一个笔架、一方砚台、一盒印泥、一块镇纸、一本古帖、一束柔光、一份超然，以古书为伴，以文字为伍，远离了麻将，远离了灯红酒绿，远离了家长里短，世界在她心中只有黑与白的对比，提按顿挫的节奏，轻重缓急的旋律。出口就是之乎者也，出手就是书法篇章，或小楷，高古典雅；或章草，古朴劲健；或小篆，婉转妩媚；或汉隶，一波三折；或草书，一泻千里。
　　写书法的女子是古典的。书法是中国传统文化的代表，汉字是它成为艺术的载体。书法，讲究的一个“古”字。有人说，学书法之人，必是好古之徒，我认为是。我一直佩服我们的祖先，创立了世界上独一无二的汉字，很多汉字，音形义，如此的完美，如此的生动，如此的贴切。写书法，必须写繁体字，这是不用疑问的。女子写书法，和古文字打交道，古典的情结便潜滋暗长了。
　　写书法的女子是养眼的。书法是美的，写书法的女子是养眼的，爱其书法，于是爱其人，虽然写书法的不一定都是美女，但是，书法散发出来独特的韵味，即使长相一般的女子，在男人眼里，也是那么可爱，那么养眼。宜都市春晚，曾经组织了一个节目，7个宜都写书法的女子，穿着青花瓷旗袍，拿着毛笔，在舞台上，在空白画卷上，写下一行行行云流水的书法，岂止是养眼，分明是一幅七仙女下凡图！
　　写书法的女子是文静的。板凳要坐十年冷，文章不写一句空。这句话说的是做学问，其实，写书法何尝不是？古人说，书无百日之功，说的就是这个道理。一篇篇小楷作品，几百上千字的巨制，心不静，能够一丝不苟么？多少个夜晚，她们在青灯下，一册册黄卷书，一张张宣纸，静静地，写下了一幅幅动人心魄的作品。
　　写书法的女子是耐得住寂寞的。学习是枯燥的，黑白二色是亘古不变的经典之色，鲜红的印章，是一抹亮丽的春色。书法要出成果，更需要千锤百炼。这寂寞之中，分明是生命的历练，希望的坚守，精神的皈依。
　　写书法的女子，怎能不迷人？
“精英、精品、精髓”站铭题字：
柳清芬，中国书法家协会会员,中华诗词学会会员，中国女书画家学会会长，北京市门头沟区美术家协会副主席，北京市门头沟区书法家协会名誉主席，中央国家机关书法家协会理事，北京中韩书画联谊协会副秘书长，山东省诸城市书法家协会名誉主席。
擅长草书、榜书。其书画作品及诗词楹联分别多次在中国美术馆；中国历史博物馆；中国军事博物馆；全国政协礼堂；人民大会堂；首都体育馆等等展览,并在韩国，日本，美国等国家展出。
书法入展中国书协主办的“全国第六届楹联书法展”,“第三届中国书法兰亭奖“尧山杯新人展”，第四届中国中青年优秀书法邀请展，第二、三届迎奥运电视书法大赛，北京十三.十四.十五届书法篆刻精品展等。
曾荣获中国书法家协会培训中心教学成果荣誉奖，首届中国女性书画摄影大赛金奖，首届孔子艺术奖的提名奖等。被人民大会堂，中央党校，西柏坡纪念馆，闻一多纪念馆，上海政协等收藏。
喜欢写字的男人最有魅力
喜欢写字的男人，是稳健练达的。他未必玉树临风，可眉宇间的深沉，言谈时的睿智，会给人以塌实硬朗的感觉，会让人莫名的信赖，会让人不自觉的依恋。因为勤于书写，相对来说，他们身上少些世俗，多些沉稳。表面上的正气凛然让人畏惧，可心底的那份儿女情长却能在不经意中感染他人，温暖他人。
喜欢写字的男人，是儒雅温厚的。习惯写字的人都明白：书写是一个过程，需要的不仅是时间，更需要心情。试想，一个整天疲于奔波，性情暴躁的男人，哪有闲情书写？即便有着创作的欲望，也未必能静心描摹；即使有了时间，也未必能书写出那种感人肺腑的篇章。
喜欢写字的男人，是才思敏捷的。他未必能成名成家，可长久以来对文字的那份执著，超然出独特的魅力。静静地阅读，那深邃凝练的文思里，尽现着豪放的情怀；悠悠地回想，那神韵飞扬的诗行间，流露了浪漫的情思；脉脉地吟咏，那惟美幽婉的旋律中，缱绻出细腻的情致。
喜欢写字的男人，是善于思想的。他未必学识渊博，却习惯在阅读中感悟，在寂静中思想，在回眸中提升。凝望，他从容的神态中显示出丰厚的阅历；聆听，他坚定的步履下沉淀出悠远的底蕴；沉湎，他行云流水的文思中涌动出桀骜不逊的刚强。
喜欢写字的男人，是富有情趣的。他未必能耐得住寂寞，却会专注地面对瞬间的美丽。因为细致，静止的画面能在他的笔端鲜活起来；因为敏锐，沉寂的心绪能在他的指尖灵动起来；因为诚挚，刹那的芬芳也可挥洒出缤纷的画卷。
喜欢写字的男人，是懂得珍惜的。他未必有辉煌的事业，却有很好的文字功底。他可能会忽略名利，但绝不会淡漠对文字的情钟。文字与他是亲密的爱人，容不得疏忽；文字与他是灵犀的知己，来不得敷衍；文字与他是至爱的宝贝，舍不得含糊。
习惯中，人们常喜欢把男人比做茶。茶的种类繁多，依据个人的喜好，三六九等难以评判。但我认为喜欢写字的男人应该是茶中的精品，闲暇时静静品赏，实在惬意；疲惫时默默回味，感觉舒心。想，若是有那么一个时光，独自沉浸在欣喜的茶色中，任温暖在掌心传递，任馨香在唇齿萦绕，任甘甜在心尖溢开……那该是怎样的一份悠然呢！
（文/佚名）
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书画界反腐风暴即将来临
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10月15日上午，中共中央总书记、国家主席、中央军委主席习近平在京主持召开文艺工作座谈会并发表重要讲话。习近平指出，文艺工作者应该牢记，创作是自己的中心任务。一部好的作品，应该是把社会效益放在首位，同时也应该是社会效益和经济效益相统一的作品。另外特别强调指出：文艺不能当市场的奴隶，不要沾满了铜臭气。优秀的文艺作品，最好是既能在思想上、艺术上取得成功，又能在市场上受到欢迎。
本次座谈会的召开非常之关键，首先是时间上，在十八届四中全会即将召开之前举行，而且又在反腐风暴的大背景下开展，可以说其中必定有着它的重要性和必要性！而事实也的确如此，本次座谈会释放出了一些关键信号，特别对当前乱象横生的书画市场，可谓有着某种特别的暗示。
书画界反腐的重灾区一：书协
大多数普通百姓不懂书法，还是只认“头衔”。谁谁挂上了主席、副主席、秘书长的职位，马上“身价”倍增。这种愚昧的认知，往往会埋没一些真正的书法创作者，使那些真正的书法家很难有出头之日，给人们造成极其错误的价值取向。而某些胸无点墨的官员就打着“书法家”的名号借机敛财。近年来官员“书法家化”已经把书法圈搞得乌烟瘴气了，有些官员恐怕连什么是书法作品都还没搞清楚，就敢大张旗鼓的搞书法作品展，这样的行为真是丢中国人的脸。越是官员出身的“书法家”越善于吹嘘自己、脸皮也越厚，所谓的作品“润格费”也会格外的高，要不然怎么敛财呢！而真正的书法家往往不善于交际，也不懂如何打通各种人际关系，他们也只能默默地成为官员“书法家化”的牺牲品，永远没有展示自己作品的机会。官员“书法家”一旦垄断了书法作品的市场，那么民间那些没有官职的优秀书家就会被埋没。那些长期充斥人们生活中的一些与书法无关的信笔涂鸦的垃圾，就会导致人们欣赏艺术品的水准下降，久而久之就会阻碍文化的健康发展。书协反腐，势在必行！
书画界反腐的重灾区二：美协、画院
美协在九十年代以前，一直扮演着官方意识形态的代言人，是中宣部在美术界的官方代表机构。在文革以后，除了一些开明美协官员支持开放，支持探索艺术，比如刘迅和何溶等少数人外，美协基本上扮演了保守主义、压制新艺术的官方角色。如果说，八十年代中国美协有时候还做过一些开明的事的话。那么到了九十年代，就连保守都谈不上了，完全是腐败。吴冠中先生说得对，一些所谓知名画家就想挤进美协做官，实际上不是为艺术家和公众服务，而是为了自己的私利，特别是为了抬高自己的声誉和画价。有时候听到人们讲，中国美协的一些高官到地方招摇撞骗，骗钱卖画的行为。
中国当代艺术可以分为美协派、学院派和在野派三个领域，学院派虽然有僵化之嫌，但是还算认真。在野派虽然容易受到市场的左右，但是他们敢冒险，仍然是中国当代艺术的主要组成部分，美协派则不但保守而且腐败，因为他们既有官方的保护色，也有在野的便利。官方可以保护他们的身份，在野可以给他们带来金钱。画院也是如此。世界上没有任何一个国家有画院这样的组织。中国古代有宫廷画院，但那是为皇家服务的，拿着宫廷的俸禄。今天的画院还不如古代画院，因为画院画家拿着国家的工资，却根本不为国家（更不会为公众）服务，只为自己。这种奇怪的现象就是腐败造成的，不反一下是不行了。
书画界反腐的重灾区三：天价艺术家
书画家界的反腐，对于那些自报价或市场价一平尺动辄几万、十几万、几十万，甚至上百万的所谓的大腕儿，需要高度警醒了，中纪委以及有关部门即将针对他们的收入、纳税、作风等多方面的实际问题展开一次调查和摸底。同时对于那些以职谋私、以权谋私、乱用职权的所谓的文艺官员们也将进行一次彻底的纠正和清理。当然这也是从纯净整个文艺环境、规范整个文化市场为主要出发点和落脚点的。
权力的得失成为了艺术品价格的指挥棒，一千万与一百万之间的差距即是权力的价值。权力介入甚至支配了艺术创作和评价，玷污了艺术的净土，使其沦为名利场甚至滋生腐败温床。在现实生活中，一些腐败官员依托权力光环，通过作品买卖、艺术品收藏、圈子活动等进行着腐败堕落行为。
那么谁将会成为艺术界反腐风暴中重点打击的“大老虎”呢？谁又是操纵和纵容那些“大老虎”们为非作歹、胆大妄为的真正后台和凶手呢？据有关方面称，近日中纪委、中央组织部将专门派出巡视组对艺术界腐败问题，以及所存在的“大老虎”进行彻底调查。
而针对艺术界存在的腐败现象，其主管部门要如何应对呢？首先要加大对中国书协、美协、作协等文化协会领导的选拔和任命考核、评价体系，规范准入制度，严格规范在职公务干部的进入。其次在艺术品市场中，物价管理部门通过第三方权威机构专门鉴定艺术品真伪和价值，制定对艺术品买卖和贿赂的司法认定标准及程序，对严重超出估价的作品应该要予以处置，并对作者和购买方进行调查。同时，纪检监察部门要对国家公职人员在文化领域协会任职等情况进行监管，并对其在任职期间出售或收购的艺术作品进行管理，将其置于国家法律制度监督之下，以遏制官员在文化界的索贿受贿行为。
谁将是书画艺术界反腐中的“大老虎”？哪位书画艺术大佬将要被拿下？相信有人期待，有人忐忑，但对于书画艺术长久而言，这是好事。
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国画与书法的关系
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国画与书法的关系
国画与书法的关系&&&&&&&&&&&&&&&&&&&
中国画与书法之间的关系，一方面是因为两者在其工具材料上的相同，特别是毛笔这一特殊的工具，其执笔、运笔的方法也是基本一致，而另一方面是关于用笔的要求，自古就以中锋为上的基本规范和理念，作为书法和中国画所秉持。所以唐代张彦远说“书画异名而同体”。书画自古就是相通，古人就有“书画同源”的说法。用石涛的话说是“其具两端，其功一体”。历史上一身兼书画二任者大有人在。有以书入画者，也有以画入书者，有以画名世者，也有以书名世者，所以就出现了画家的书法和书家的绘画。画家作书多将其绘画之笔墨意趣之于书，故书有画意；书家作画，擅长将书法的笔法气韵用之以画，故画有书味。无论是画家之书还是书家之画，高水平的其法与理都是相通的。
在书法史上，画家书法也是一支不可忽视的。简单一点说，从宋代的米黼开始，元代的赵孟頫，明代的沈周、文征明、董其昌，清代的石涛、八大、郑板桥、金农、赵之谦等，除了在绘画上的成就之外，他们在书法艺术上面也有特殊造诣，他们的书法在那个时代中也可谓独放异彩。以至于到了二十世纪，吴昌硕、齐白石、黄宾虹、潘天寿等大家也都是享有盛誉书法名家啊！他们书法方面的成就在他们绘画中都有明显的体现，因此说明书法给他们的绘画成就打下了坚实的基础，相反，他们的书法又得益于在绘画形式美方面的启发，使书法所表现出不同于纯粹的书家的魅力。
　　画家书法比较有造诣者，常在书法形式中另辟蹊径，不断创造新的形式和语汇，个性鲜明，“艺术”意味突出。宋代的尚意书风，米黼最为典型。董其昌的山水画以淡取胜，又以其画之淡墨，运用于书，使其书法之墨法层次丰富，于笔法之外，从墨法上开创新路。八大堪称以书入画，以画入书的代表。他将书法和绘画两个方面相互渗透、相互联系，使其书法充满了画意，绘画增强了书法的意味。三百年来，八大是以画家名世的，但人们往往忽视，它的绘画成就是以其深厚的书法功底为基础的。从某种意义上说，没有书法上的“八大体”，也就不可能出现风格独特的八大画的风格，书画兼通的八大十分重视书画的内在联系，不仅在创作实践上将书法的用笔和字体的空间造型渗透于绘画，而且在理论上明确提出“画法兼之书法”的主张。八大不仅工真草隶篆诸体，而且还是最早以篆籀笔法入行草的书家。八大的作品以书入画，不是简单的书画拼加，也不是把绘画变成纯抽象的符号，而是将书法语言因素有机地渗透到绘画中去，使绘画语言更为丰富。其以书入画主要体现在两个方面，一是以书法丰富而内敛的中锋用笔运用于绘画挥写中，一是用书法抽象的空间构成处理画面的造型布白。其绘画的奇古造型，如石的上大下小，鸟的鼓腹缩颈，弓背露一足，树干的上粗下细等失重造型都能从其书法的空间结构中找到渊源关系。八大以画入书，可分为精神层次和技术层次两方面。在精神层面上，追求画意通书意，将写意画的神采意绪渗入到书法。自觉地把绘画的幽默感和稚趣感融入书法的字里行间，使其书法朗润可爱，幽默有趣。在技术层次上，八大善于把写意画的笔墨和空间图形的特征渗入到书法中来。八大作画，用笔凝重洗练，其书法用笔也是很简练。在章法布局中有意压缩或涨大其字的空间，也是受其绘画空间图式影响的。书法发展到清初，形成种种固定的模式，帖学已呈显出僵化的态势。极具个性的富有创新精神的八大，不愿随前人亦步亦趋，采取了书法兼之画法的方法进行了创新。扬州八怪的金农、郑板桥，也以其鲜明的个性进行了书法的创新，为清代书法的发展做出了突出的成就。
　　再如，近现代的吴昌硕、黄宾虹，其书法更有其独到之处。吴昌硕的书法上溯先秦石鼓文，反复研究，在篆书上独树一帜，他将大篆运用于花鸟画，使其画中的花鸟，雄浑厚重又灵气逼人。任伯年当年就说到，吴昌硕的花鸟画与时下皆不同，他日必成大器。黄宾虹一生始终奉信画画当如作字法，笔笔宜分明。在书法上下的功夫和取得的成就不低于其绘画成就，只不过其书名被画名所掩。今日画坛掀起了“黄宾虹热”，多数摹仿者仅得形似，而不知黄宾虹先生绘画的内在奥妙。真正要了解黄宾虹的绘画艺术，必须要研究他的书法以及“以书入画”的途径。黄宾虹的书法，尤其晚年的书法，在墨法上有很大的创造。他将绘画中的“浓淡枯润”之墨运用于书法创作之中，苍中含润，润中有苍，是真正的“浑厚华滋”。可惜目前的书坛画坛对黄宾虹的书法成就还没有足够的认识。林散之多年从师于黄宾虹先生学画，画虽然没有出名，但是书法却自成一家，名显于当代，成为一代草书大师。林散之的书法成就与从学黄宾虹的书画有着直接的关系。以淡墨入草，是林老书法的一大特点，也是他从多年研究学习黄宾虹绘画的墨法中得来的。
　　无论是“骨法用笔”的基本要求，还是笔墨规范中的“写”的意韵，书法对于中国画都是极其重要的，这不仅仅是书画同源的一般性的认知，而是中国画之所以不同于外国画的一个根本原因，也是中国画发展的核心所在。
　　书法与中国画的特殊关系，表现在审美上成为西洋画所没有的一项特别的内容，这也是中国传统文化中的一项重要的遗产。遗憾的是这麽重要的内在关系在我们当代中国化教育的基础培养上，至今没有被真正的重视起来。中国画在二十世纪逐渐西方化的发展过程中，伴随着书法在当代失去公众性的整体走向，也逐渐脱离了书法的基础，而建立起一种与当代审美相适应的造型的基础。其中原因还有：一、画家已经不太注重书法在画里的重要性；二、以西方绘画构图模式的画面中已经不容书法的加入；三、不求或少求意境的当代中国画审美也不需要“画之不足，题以补之”。中国画不仅在基础上游离于书法之外，而且在审美上、品评上也脱离了书法的规范，那么，自古就为文人称道和欣赏的画家书法，在当代中国文化中将逐渐消失了，这是当代中国画的悲哀，还是当代中国书法的遗憾，可能两者都需要反思。
　　中国画与书法的疏离的问题，早在二十世纪五十年代就已经出现端倪。当时在改造中国画的具体要求中，在要求中国画为社会服务的现实关怀下，新人、新国画的出现，带来了中国画的新面貌，其中的题款比较多的是画题加名款的方式，但是，画面讲究书法的用笔，以及题款讲究书法的水准，仍然没有因为改造而废弃。应该看到，在五十年代改造国画的过程中，笔墨和形式都在改造之列，其中利用旧形式为新内容服务，在当时也成为改造传统中国画的成果之一，这之中重要的就是关于题跋的问题。许多老画家以自己在古典诗词方面的修养和书法的功底，利用题跋的内容“补画之不足”成了当时中国画改造的一个亮点，画家钱松嵒就是其中的代表人物。
　　当代中国画的主流已经不讲究书法的基础、书法的功力、书法的水平，那么，我们来看当代画家的书法，已经很难有上一代画家那样的整体水平。实际上，字写得好的画家已是凤毛麟角了。众所周知，浙派代表人物，不论是黄宾虹、潘天寿，还是陆维钊、诸乐三皆为碑派书法大家。黄宾虹精三代金文，潘天寿擅篆隶，行书则出自黄道周，成为一家之体；陆维钊也为一代碑学大家，创蜾扁体，碑行书则恣肆狂放；诸乐三则受吴昌硕影响，书法风格皆缶庐风貌。他们的绘画所以能够达到造化生机的境界，在很大程度上是依赖于书法的锤炼。碑学书法的失落，从根本上造成了当代浙派山水画与写意花鸟画骨气的弱化，不复有黄宾虹、潘天寿浑厚华滋、骨势洞达和金石气的雄强笔墨，而是一味求雅、求逸、求淡、求清，从而走上复古主义的老路。这与黄宾虹、潘天寿求肆、求拙、求为金石气是大相径庭的，这也将从根本上制约当代山水画与写意花鸟画的未来发展和所达到的历史高度。当然，问题不是一天产生的，而解决问题的努力更不是短时间能够实现的。如果中国画还要恪守其民族绘画的样式和审美的特点，那么，重新连接国画与书法的关系，才有可能将中国画从发展的歧途中领入正道
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